L’ultimo viaggio. Musica per uno spettacolo teatrale.

Fotogramma dal film:
Korczak (1990) di Andrzej Wajda (115′)

In occasione del giorno della memoria, la compagnia teatrale della scuola (IC Zola Predosa) ha rappresentato lo spettacolo teatrale L’ultimo viaggio, ispirato ai libri di Janus Korczack. L’attività teatrale è stata coordinata e diretta dal regista Filippo Plancher dell’associazione Cantharide e il collega Michele Chiappini ha dato un prezioso contributo alla parte musicale. Le mie classi terze hanno realizzato le musiche di scena dello spettacolo, che potete ascoltare in questa playlist.

Il lavoro ha coinvolto tutti gli studenti delle classi IIIE e IIIF, con esiti anche superiori alle mie aspettative. Bravi ragazzi!

Riassumo brevemente le fasi dell’attività, per chi fosse interessato agli aspetti didattici.

  • Di fronte ad una bozza del copione, insieme al regista abbiamo identificato quali parti dello spettacolo avrebbero richiesto un intervento musicale. Sono state individuate quattro tipologie di brani, a seconda delle esigenze drammaturgiche: musica da sogno; marcia funebre; marca trionfale; musica percussiva.
  • Ho distribuito gli incarichi all’interno delle classi, chiedendo ad ogni coppia di studenti di realizzare una proposta per due tipologie di brani.
  • Il lavoro è proseguito in due tempi: composizione in notazione (con noteflight) e realizzazione del progetto audio (con soundtrap)
  • Ho fornito alcune indicazioni di base per procedere alla composizione dei brani in notazione (noteflight). Riassumo qui i miei suggerimenti.
    • musica da sogno: riferimenti al minimalismo, prevedendo di inserire materiali sonori concreti (ad es. il brano Giochi d’infanzia)
    • marcia funebre: costruzione di una struttura armonica affine al corale; tonalità minore; melodia dalle campate lunghe; presenza di minime dissonanze nella componente armonica; crescendo progressivo e riempimento del registro con l’aggiunta
      graduale di strumenti; percussioni (ad es. il brano L’ultimo viaggio).
    • marcia identitaria: costruzione di un modulo ritmico di accompagnamento; struttura accordale diatonica; scrittura di una parte di basso; melodia basata su un modulo ritmico ripetitivo; percussioni da parata; crescendo progressivo e accumulazione delle parti strumentali(Ad es. il brano Marcia e bandiera).
    • musica ritmica: stratificazione piramidale di moduli ritmici con un effetto di accumulazione; struttura ABA con dissolvenza in ingresso ed uscita (ad es. il brano LittleDAvvo e LittleSofi).
  • Una volta che il materiale compositivo su pentagramma era soddisfacente, gli studenti hanno esportato il tutto su soundtrap, lavorando alla resa timbrica degli strumenti, all’aggiunta di parti percussive attraverso loop, all’inserto di suoni concreti e al missaggio finale.
  • Gli studenti hanno condiviso i loro progetti audio con me, in modo che potessi intervenire con modifiche minime per migliorare alcuni aspetti.
  • Insieme alle classi abbiamo ascoltato tutte le composizioni e infine abbiamo selezionato una rosa di proposte da fornire al regista.

Va, pensiero. La colonna sonora del Risorgimento

Immagine mostra. Giuseppe Verdi: un mito italiano

Viva V.E.R.D.I. (C. Gatti , Verdi nelle immagini, Milano, Garzanti, 1941).

Nabucco è la terza opera di Giuseppe Verdi (il titolo originale completo è Nabucodonosor) e quella che ne decretò il successo. Composta su libretto di Temistocle Solera, Nabucco venne rappresentata per la prima volta il 9 marzo 1842 al Teatro alla Scala di Milano. Viene considerata come l’opera più risorgimentale di Verdi.

Il contesto politico e la censura.

La trama racconta l’amore contrastato tra due giovani durante il conflitto tra Ebrei e Babilonesi. All’epoca della sua prima rappresentazione, gli spettatori italiani (e in particolare milanesi) potevano rispecchiarsi nella condizione degli Ebrei, che sulle sponde dell’Eufrate, sconfitti e prigionieri, ricordano con nostalgia e dolore la cara patria perduta con il coro Va, pensiero, sull’ali dorate. A quel tempo il giogo austriaco operava un controllo sulle parole cantate nelle opere, per timore che attraverso la musica si fomentasse un sentimento patriottico antiaustriaco. La censura austriaca più di una volta costrinse Verdi a modificare le proprie intenzioni ed è forse per questo motivo che in questo coro gli ideali di libertà e di riscatto sono espressi in termini molto velati.

Lo studioso Philip Gossett ha sostenuto che:

i cori dei melodrammi hanno effettivamente espresso […], con linguaggio anche musicale l’aspirazione dell’Italia geografica a diventare stato unitario: passando da elementi operistici decorativi a motori del dramma […] e diventando così funzionali a un programma politico unitario, in quanto intesi come messaggi patriottici sia dal pubblico sia dai censori del tempo. Proprio l’enormità, abbondantemente documentata nei suoi scritti, del lavoro delle censure nei vari stati dimostrerebbe che tale era il loro ‘significato’: quello – sostanzialmente mazziniano […] – di essere «coro-popolo», di avere una funzione educativa in senso nazionale.
[citato in A. Guarnieri Corazzol  Melodramma e identità nazionale nel Risorgimento ]

In seguito, dopo il ritorno degli austriaci, passata la stagione delle ‘Cinque giornate’ milanesi, la censura in Italia divenne sempre più condizionante. Opera dopo opera, Verdi faticò a trovare la sua strada all’interno di un mondo politico pericolosissimo. Pertanto, non fu sempre possibile rappresentare le sue opere, come «La battaglia di Legnano» (1848) e «Stiffelio» (1850), nel modo in cui egli le aveva concepite. La censura apportò delle modifiche disastrose al suo «Rigoletto» (1851) e in altre occasioni tentò invano di introdurre modifiche anche più incisive. [Philip Gossett]

Il mito verdiano racconta che la scritta “Viva Verdi” iniziò a comparire sui muri di alcune città italiane come messaggio patriottico, celato dietro un allusivo acronimo: “Viva V[ittorio] E[manuele] R[e] D’I[talia]”.

Va’ pensiero

Prima le parole o la musica?

Mentre in numerose occasioni, Verdi chiese ai propri librettisti di comporre dei versi per una determinata scena di cui aveva già abbozzato la parte musicale, nel caso del Va, pensiero, il compositore partì da un testo finito e, ispirato dalla storia e dai versi di Temistocle Solera, decise di metterlo in musica.
Quindi: prima le parole e poi la musica.
A questo link trovate una parafrasi del testo.

Caratteristiche del testo:

  • Lessico elevato. La lirica è piena di parole lontane dal linguaggio ordinario, oggi quasi incomprensibili e allora segno di distinzione, adatte ad un discorso solenne, di carattere civile:
    • clivi (colli)
    • olezzano (odorano)
    • membranza (ricordo)
    • favella (parola) 
    • Sionne (Sion) e Solima (Gerusalemme).
  • Metrica dell’Inno: versi decasillabi (ogni verso contiene 10 sillabe). L’accento cade sulla 3a, 6a e 9a sillaba (in rosso nell’esempio), creando un ritmo cadenzato e regolare.
Va,  pen sie ro, sull’ a li do ra te;
1 2 3 4 5 6 7 8 9 10
Va,  ti po sa sui cli vi, sui col li
1 2 3 4 5 6 7 8 9 10
  • Rime: struttura molto solida, facile da memorizzare, che lega le quattro quatto quartine (gruppi di quattro versi) tra loro:
    • natal (1a quartina) ⇒ fatal  (2a quartina)
    • fu (3a quartina)virtù (4a quartina)
  • Significato: Possiamo vedere la posesia divisa in que parti.
    • 1a parte: prevale il dolore della privazione, è più intima, introspettiva e rassegnata. I prigionieri ricordano (va, pensiero) con i vari sensi la terra d’origine: il tatto (ti posa, tepide e molli), il profumo (olezzano, dolci) e la vista (il Giordano, le torri).
    • 2a parte: prevale la speranza in una reazione. Il popolo prigioniero invoca il potere della musica e di una guida (l’Arpa dei vati) sperando che dal sentimento collettivo di dolore (Le memorie nel petto raccendi, il crudo lamento) scaturisca un’azione comune (un concento).

Per i problemi di censura, il testo non fa riferimento alla possibilità di una ribellione (gli austriaci non l’avrebbero permesso) e rimane molto vago:

Che ne infonda al patire virtù
Che la musica delle arpe sacre possa comunicare al popolo una sofferenza che generi forza.

Ma la musica…?: 

Si può dire che la musica chiarisce il senso delle ultime parole, specificando che per forza  si intende la reazione orgogliosa di un popolo contro l’oppressione dell’invasore?

Ascolta il Va, pensiero in questa versione, una recente interpretazione (Roma 2011) diretta da Riccardo Muti.

Attraverso la piattaforma noteflight.com ho sincronizzato lo spartito della sola melodia (in una riduzione semplificata) con la ripresa video dell’opera. In questo modo è possibile seguire lo spartito mentre si ascolta il brano. Clicca su questo link per accedere allo spartito e al video sincronizzati.

2016-01-28 11_04_12-VA, PENSIERO

 

A minuti 3:13 di questo video (a battuta 17 dello spartito), la melodia ha un improvviso scarto verso un registro più acuto con l’aumento dell’intensità (dal piano al forte). Quali sono i versi cantati in questa parte? E secondo te, quali possono essere state le motivazioni per inserire questo cambiamento improvviso nella melodia?

  • Si tratta di solo ragioni esclusivamente musicali (ad esempio creare una zona di contrasto per non rendere la melodia troppo monotona),
  • oppure Verdi sceglie di musicare in maniera diversa una certa parte di testo, per orientare l’ascoltatore verso una determinata intepretazione delle parole? E, in quest’ultimo caso, quale potrebbe essere il significato suggerito dalla musica
  • Un’ulteriore osservazione: Verdi sceglie di ripetere alcuni versi, mentre la melodia prosegue in maniera differente. Di quali versi si tratta? Vi sono delle ragioni legate al significato delle parole, secondo te?

In altri termini: che cosa aggiunge la musica, che il testo invece accenna soltanto in modo velato?

Attività di ascolto

In questa scheda di ascolto online (compilabile attraverso la piattaforma google documents) trovi il testo del Va, pensiero. Userete questo modulo, al termine della lezione e dell’analisi del brano condotta in classe, per inserire le vostre osservazioni sulle caratteristiche della musica in relazione al testo.
Indicazioni per la complilazione: attenzione a distinguere tra le caratteristiche oggettive della musica (come registro, direzione melodica, ritmo ecc., da inserire in corsivo) e le vostre interpretazioni soggettive (da inserire in grassetto; gli aggettivi ‘triste’ e ‘allegro’ sono vietati!).

Clicca sul SCHEDA DI ASCOLTO per inserire anche le tue osservazioni (è un link destinato ai miei soli alunni, quindi protetto da password). Il risultato di questo lavoro, la scheda contenente le osservazioni degli studenti, si aggiornerà in tempo reale nella schermata qui sotto.

Un simbolo di rinascita.

In questa registrazione trovate un documento storico straordinario: la prima rappresentazione dell’opera dopo la liberazione dell’Italia dal nazifascismo (l’esecuzione è stata registrata a Napoli nel 1949, quindi a distanza di circa un secolo dalla sua composizione). Ascoltate l’emozione del pubblico, quando, durante l’esecuzione del brano, uno spettatore grida “Viva l’Italia” (a 3:37 del video): gli applausi densi di commozione sovrastano quasi il suono dell’orchestra. Il Va’ pensiero è ormai consacrato come un simbolo di libertà dei popoli dall’oppressione degli invasori.

 

 

Cantare le emozioni

Con gli studenti delle classi terze abbiamo realizzato una presentazione online per riflettere sulle connessioni tra voce cantata ed emozioni.

  • Siamo partiti osservando le variazioni della prosodia della voce parlata in relazione alla comunicazione delle emozioni.
  • In seguito gli studenti hanno proseguito il lavoro analizzando un breve segmento di una canzone scelta. L’analisi è servita per riflettere sui mezzi espressivi della voce cantata nell’ambito della musica popular.
  • Infine abbiamo inserito alcuni dei risultati in un grafico che prende spunto dagli studi dello psicologo Robert Plutchik  su emozioni primarie e secondarie.

Gli studenti non hanno trovato una canzone per tutte le emozioni inserite della ruota di Plutchik, e gli stati d’animo più rappresentati dalle canzoni sono risultati “tristezza”, “malinconia”, “gioia”, “rabbia”. In questi casi si può cliccare sulla parola e si apriranno le schede di analisi delle canzoni. In ogni scheda è stato inserito un link al video youtube del brano. Si consiglia una visione a schermo intero, buona esplorazione!

 

 

 

La parola cantata [2018]

Nelle classi terze abbiamo analizzato le caratteristiche espressive della voce parlata.

Fase conoscitiva:

1. Abbiamo iniziato osservando come, nel dialogo parlato, la nostra voce può cambiare a seconda del valore comunicativo che intendiamo dare alle nostre parole. La medesima frase può comunicare emozioni molto diverse a seconda del modo in cui viene pronunciata.
2. Abbiamo riconosciuto ed esaminato queste sei caratteristiche della voce parlata:

  • Intensità
  • Curva intonativa
  • Velocità (Andamento)
  • Presenza di pause
  • Registro
  • Timbro (ossia qualità della voce e tipo di emissione)

3. Abbiamo osservato che, nell’espressione delle emozioni, le caratteristiche del canto possono essere  simili a quelle della voce parlata .

Fase operativa:

Ognuno di voi ora deve scegliere un breve passaggio di una canzone che, a vostro parere, mostri un chiaro contenuto espressivo. Non scegliete seguendo soltanto i gusti musicali, ma chiedetevi quale emozioni esprime il frammento che avete scelto.

Consigli per la scelta del frammento musicale:

  • deve essere una canzone, non un passaggio rap, perchè nel rap il cantante non intona le parole, male pronuncia senza una precisa melodia.
  • il frammento che scegliete deve essere breve: scegliete l’intonazione di un solo verso, dai 5 ai 15 secondi circa.
  • Annotatevi a quale secondo del brano compare il passaggio che avete scelto.

Dopo questa fase dovrete analizzare in che modo, nel segmento di canzone scelto, le caratteristiche della voce contribuiscono a determinare il tipo di emozione prevalente.

Go down Moses

 

go down moses

Testo

Rit.:
Go down Moses
Way down to Egypt land
Tell old Pharaoh to
Let My People Go!

 

Strofa 1:
When Israel was in Egypt land…
Let My People Go!
Oppressed so hard They couldn’t stand
Let My People Go!
So the Lord said:
Rit.:
Go down Moses
Way down to Egypt land
Tell old Pharaoh to
Let My People Go!

Strofa 2:
So Moses went to Egypt land…
Let My People Go!
He made old Pharaoh understand…
Let My People Go!
So the Lord said:
[Rit.]Strofa 3:
‘Thus spoke the Lord’, bold Moses said
Let My People Go!
‘If not I’ll strike, your firstborn’s dead’
Let My People Go!
So the Lord said:
Rit.:

Intrepretazione di Louis Armstrong

Interpretazione “a cappella”

Storia e significato del brano

Testo e accordi:

Comporre otto battute di riff e melodia.

guitar

Ecco una guida per comporre un brano su riff (o groove o ‘giro di basso’).
Il riff è una breve parte melodica (può essere di una, due o quattro battute) dotata di un ritmo incalzante e che, nella musica rock o jazz, spesso serve come elemento di accompagnamento. In una canzone di solito un riff viene ripetuto con minime variazioni per tutta la durata di una sezione del brano (ad esempio tutto il ritornello o tutta la strofa).

Come procedere.
1. Impostare la pagina
Usate il noteflight.com per impostare lo spartito. Dovrà contenere due pentagrammi, entrambi in chiave di violino. Dovrete ideare un riff che vi convinca, della durata di una, due o eventualmente quattro battute. .
Per il momento lascerete il pentagramma superiore (Pentagramma 1)  vuoto e scriverete invece in quelli inferiore
Eliminate il rigo in chiave di basso (molti di voi sanno leggere le note solo in chiave di violino).
Inserite un nuovo strumento: dal menu Instrument (icona di chitarra in alto a destra) –> gruppo plucked strings –> guitar.

2. Comporre il riff di 2 o 4 battute
Un riff convincente deve avere una certa varietà ritmica (note di durata diversa), un impulso ritmico incisivo  e contenere delle sincopi.
Quindi attenzione alle durate. Inserite poche (o nessuna) note da due pulsazioni e utilizzate in modo vario durate più brevi: note da una pulsazione con il punto, crome, pause di croma e, eventualmente, qualche gruppo di semicrome. Non vi accontentate del primo risultato: riascoltate e correggete fino a quando non sarete soddisfatti.

3. Estendere il riff su 4 o 8 battute
Quando il riff vi sembra ben riuscito, copiatelo e ripetetelo, per sentire l’effetto del riff su un arco di più battute. Immaginiamo di scrivere un riff di due battute per la parte inferiore (giro di basso). In alcuni casi può essere necessario evitare un effetto troppo ripetitivo: provate a questo proposito a variare il finale del vostro riff (basta cambiare una nota o due): otterrete così due versioni del riff, con due finali differenti: che possiamo chiamare ‘a’ e ‘b’. Alternate i due finali  per un totale di 4 o 8 battute.

Ecco un esempio della struttura con 8 battute

battute 1-2 3-4 5-6 7-8
pentagr. 1 piano
pentagr. 2 (guitar) riff  
(finale a)
riff 
(finale b)
riff 
(finale a)
riff 
(finale b)

4. Aggiungere la melodia
A questo punto viene il difficile: sul pentagramma superiore dovete sovrapporre  a questa base una melodia che proceda per otto battute in modo più libero. Decidete voi se ripetere o meno alcuni elementi nella stesura della melodia. 

batt. 1-2 3-4 5-6 7-8
piano melodia di otto battute
guitar riff 1
(finale a)
riff 1
(finale b)
riff 1
(finale a)
riff 1
(finale b)

Ecco, come esempio, le prime 4 battute di una melodia realizzata in questo modo: nel primo pentagramma la melodia, nel secondo il riff, ripetuto due volte.

riff_2

5. Salvare,condividere e esportare
Quando il risultato è convincente, salvate il brano su noteflight e condividete nel modulo qui sotto.
Attenzione però: se volete inserire questa breve composizione in un programma di musicale elettronica come audiotool.com, dovrete prima ricordarvi e Esportare il brano come file MIDI.